a cura di Carmelo Cipriani

Inaugurazione venerdì 12 giugno 2026 ore 19:00

Venerdì 12 giugno 2026, alle ore 19:00, presso MISIA Arte, in via Via Nicolò Putignani 153, a Bari, si svolgerà l’inaugurazione della mostra INTERSEZIONE Sol LeWitt – Pippo Patruno, a cura di Carmelo Cipriani, da un’idea condivisa da Massimo Ruiu, amico fraterno di Patruno, con il curatore. 

Il titolo della mostra non riflette soltanto le ricerche dei due protagonisti, ma anche la triplice finalità dell’evento. Innanzitutto l’esposizione mette in dialogo le ricerche astratto-geometriche di Sol LeWitt e Pippo Patruno, intrecciando minimalismo, serialità e variazione. Nata dal ritrovamento di alcune maioliche geometriche di LeWitt del 1984, l’esposizione esplora il rapporto tra ordine e trasformazione, rigore e intuizione, attraverso opere che condividono una comune tensione verso la forma e la struttura. 

In secondo luogo, la mostra rappresenta un omaggio a Pippo Patruno, artista pugliese venuto a mancare prematuramente nel 2023. Per questo sono presenti le opere del ciclo Solglass, realizzate dall’artista nel 2010 nello studio di Sol Lewitt a Monteluco, presso Spoleto, ispirate alle forme del collega americano e alle musiche di Philipp Glass. 

Infine la mostra ambisce a ripercorrere, seppur solo idealmente, una stagione importante dell’arte a Bari, il cui fulcro è rappresentato da Marilena Bonomo e della sua galleria. Lì i due protagonisti della mostra si sono conosciuti instaurando un rapporto di amicizia e di stima reciproca, attestato anche da scambi di opere. Nel percorso espositivo il dialogo tra le opere diventa memoria condivisa, testimonianza di amicizia e scambi creativi che hanno segnato un momento importante dell’arte contemporanea pugliese.

La mostra, visitabile fino a venerdì 10 luglio, è organizzata da MISIA Arte e dall’Associazione Culturale Pippo Patruno, che tutela e valorizza il nome e la ricerca dell’artista, in collaborazione con l’Associazione Cellule Creative e con il patrocinio del Comune di Bari.

Testo di Carmelo Cipriani

La geometria come aspirazione a un ordine superiore, come chiave interpretativa del funzionamento cerebrale, come astrazione, via di fuga dal presente, ma anche piano speculativo su cui registrare sintonie, affinità, amicizie. È quest’ultimo aspetto a informare la presente mostra. All’origine dell’iniziativa è il fortuito ritrovamento sul mercato antiquario di una serie di piastrelle in terracotta smaltata realizzate da Sol Lewitt nel 1984, oggi confluite in una collezione romana. Sei raffinate maioliche dipinte con motivi geometrici di evidente matrice minimalista, provenienti dalla galleria di Ugo Ferranti in via di Tor Millina 26, a pochi passi da Piazza Navona, tra i punti di riferimento in Italia per l’arte concettuale europea e statunitense. Proprio l’anno prima la galleria aveva ospitato una duplice personale di Cy Twombly e Sol LeWitt. Per l’occasione l’artista di Hartford aveva dipinto dei wall drawings di cui le piastrelle in mostra sembrano diretta emanazione. In esse segmenti cromatici diversamente orientati modulano internamente il quadrato, rivelando l’interesse dell’autore per i sistemi logici e combinatori. 

A quel tempo Sol LeWitt era già legato a Bari da una lunga frequentazione. A portarlo in Puglia era stata Marilena Bonomo, titolare dell’omonima galleria, donna energica e visionaria, che ha tentato un sovvertimento della tradizionale geografia artistica, portando a Bari alcuni dei grandi nomi dell’arte americana e non solo, da Daniel Buren a Richard Tuttle, da Jan Dibbets a David Tremlett. Di Sol Marilena diventa grande amica. Grazie a lei scopre la Puglia ma anche l’Umbria, terra di cui s’innamora al punto da acquistare casa e studio a Monteluco, presso Spoleto, località in cui anche i Bonomo avevano la loro residenza estiva. 

La Galleria Bonomo a Bari, inoltre, diviene per LeWitt luogo di esperienze e amicizie. Lì conosce gli artisti pugliesi che Marilena aveva scelto e preso con sé, sostenendone e promuovendone la ricerca. Tra loro anche Pippo Patruno di cui la mostra presenta Campo di Marte del 2002, lavoro di grandi dimensioni, tra i più scenografici dell’autore, accomunato alle piastrelle di LeWitt dalla propensione astratto-geometrica, tesa, nel caso specifico, a indagare e animare la forma quadrata. Ne deriva così un dialogo – rievocato anche dal titolo “Interazione” – che è anche, anzi soprattutto, un omaggio a Pippo Patruno, prematuramente scomparso. Come l’intersezione è il punto d’incontro tra due linee, allo stesso modo la geometria è il tema su cui dialogano e si confrontano i due protagonisti della mostra. Il filrouge autentico della mostra è però l’amicizia tra Sol, Marilena e Pippo, attestata dalla scelta di Pippo di acquisire alcune piasterelle di LeWitt, alcune identiche a quelle emerse a Roma, ma realizzate appositamente per la Galleria Bonomo, di cui recano l’etichetta, e quella contestuale di LeWitt di inserire due opere del collega pugliese per la sua collezione di New York. 

Già esposto nella retrospettiva allestita nella Biblioteca Rendella di Monopoli nel 2024, la prima dopo la morte, a un anno esatto da quella, Campo di Marte è oggi di proprietà di Massimo Ruiu, fraterno amico di Pippo, ideatore e promotore, con chi scrive, di questo omaggio. Il titolo, nel riferimento al dio Marte, trasforma il dipinto in campo di battaglia ma anche in superficie su cui si propaga un’energia primigenia. Esso apre la riflessione al rapporto tra serialità e variazione, tra ordine e perturbazione. La griglia regolare di elementi cruciformi è contraddetta non soltanto dal variare delle tonalità rosse sullo sfondo, ma anche da minimi sconfinamenti, leggere asimmetrie, sbavature che incrinano l’uniformità del sistema. Differenze quasi impercettibili che mettono in crisi la ripetitività del modulo, come il diverso orientamento delle linee nei quadrati di LeWitt, rivendicando la liceità dello scarto alla regola e con essa l’unicità dell’intervento umano. Lette insieme le opere in mostra attestano la variazione nell’ordine e suggeriscono come ogni sistema, per quanto rigoroso, porti con sé il germe della sua trasformazione.

Infine, per rendere più efficace l’omaggio, la mostra associa al dialogo il ciclo Solglass, realizzato da Patruno nel 2010 nello studio di LeWitt a Monteluco, dove trascorre circa un mese su invito della moglie dell’artista. A quel tempo Sol LeWitt era già scomparso ma Patruno ne coltiva il ricordo lasciandosi ispirare dalla sua arte e dalla musica di Philipp Glass. Da qui il titolo del ciclo, crasi tra i due i nomi. Torna in queste opere la dimensione dialogica, articolandosi in un’altra, inedita triangolazione creativa. Nel ciclo di Patruno, i titoli – Piccoli equilibri, Legami, Bilico – sono indicativi, suggerendo una grammatica visiva fondata sulla relazione tra elementi, più che sugli elementi stessi. Questo approccio è profondamente debitore alla lezione di LeWitt, per il quale il concept precede e determina l’opera. Lasciandosi ispirare dal ricordo, dalla musica, dal contesto, Patruno ha seguito l’idea dandole una forma rigorosa ma non fredda. Riecheggia in questo modus operandi il pensiero di Sol LeWitt, che, in una delle sue Sentences on Conceptual Art del 1969, ha scritto: «I pensieri irrazionali devono essere seguiti in modo assoluto e logico. Ragionamento contraddittorio che nella sua apparente illogicità si fa testimone di una profonda verità dell’arte, il suo essere in bilico tra disciplina e intuizione».

Informazioni tecniche 

Titolo della mostra: INTERSEZIONE Sol LeWitt – Pippo Patruno 

A cura di: Carmelo Cipriani
Organizzata da: MISIA Arte (Bari) e Associazione Culturale Pippo Patruno (Monopoli) 

In collaborazione con: Associazione Cellule Creative

Patrocinio: Comune di Bari
Ideazione: Carmelo Cipriani e Massimo Ruiu
Progetto Grafico: Luigi Patruno
Giorni e orari di visita: tutti i giorni, dalle 17 alle 20 e su appuntamento

Per info: misiaarte@gmail.com – 339.7888357

La mostra è a ingresso gratuito.

a cura di Manuela De Leonardis

Dunia Studio, Triggiano (Bari) 9 /22 giugno 2026

inaugurazione martedì 9 giugno ore 18.00 – 21.00

Talk con Nicola Zito

L’Associazione Culturale Dunia è lieta di presentare il secondo appuntamento della rassegna In between con la mostra Rethinking landscape (Ripensare il paesaggio) dedicata a Lim Young Kyun e Daniele Nitti.

Un racconto a due voci di un paesaggio urbano in trasformazione che, sia per lo street artist triggianese che per il fotografo coreano, è mediato da una visione interiore filtrata attraverso l’esperienza personale. 

Rethinking landscape è una sorta di diario personale in cui i disegni colorati di Daniele Nitti di impronta naïf utilizzano come leit-motiv il pattern delle luminarie, elemento chiave della tradizione culturale pugliese. Analogamente, Lim Young Kyun ricorre al bianco e nero delle fotografie alla gelatina ai sali d’argento della serie Destiny (Daily Life Landscape e Nam June Paik 1982-2006) per enfatizzare la componente metaforica del paesaggio come momento esistenziale in movimento, celebrato dalla sua fotografia meditativa.

Lim Young Kyun (Daegu, Corea del Sud 1955, vive e lavora a Seoul), dopo il diploma in Fine Arts alla Chung-Ang University di Seoul, completa gli studi conseguendo il master alla New York University e studiando fotografia all’ICP – International Center of Photography di New York. Dal 1983 al 1988 risiede a New York dove lavora come reporter per il quotidiano coreano JoongAng Daily. Rientrato in Corea, parallelamente all’attività professionale (nel 1999 è stato fotografo ufficiale in occasione della visita della Regina Elisabetta II) svolge l’attività accademica come professore associato al Dipartimento di Fotografia della New York University, New York (1993-2008), docente di Fotografia al Dipartimento di Fotografia della Chung-Ang University, Seoul (1999-2012) e Direttore del Dipartimento Educativo della Daegu Arts University, Daegu (2017-2018). Le sue fotografie fanno parte di collezioni, tra cui MoMa – Museum of Modern Art, New York; ICP – International Center of Photography, New York; George Eastman Museum, Rochester, New York; Thessalonki Museum of Photography, Salonicco; National Museum of Contemporary Art, Seoul; National Museum of Korea, Seoul; Seoul Museum of Art. Ha pubblicato diversi libri, tra cui Nam June Paik. Now Here (2019); Unjusa (con un poema di Jean–Marie Gustave Le Clézio, 2016); The Antarctica Story (2010); New York Story (2006); Daily Life Landscapes (2003); Art Vivant (1994); Portaits of Artists, 1980-1993 (1993).

Tra le mostre recenti: 2025 – Destiny, Fabbriche Chiaramontane, Agrigento; 2022 – Antarctica, Gallery Yeh, Seoul (personale); 2021 – Destiny, Acta International, Roma (personale) (a cura di M. De Leonardis); Fiorinarte, Museo Orto Botanico, Roma; 2019 – Nam June Paik. Now Here, 2GIL29 Gallery, Seoul (personale); 2018 – Winter Olympic Pyoungchang, Olympic Hall, Corea (personale); History of Photography, George Eastman Museum, Rochester, New York.

Daniele Nitti (in arte Hope) nasce nel 1982 a Triggiano (Bari). Vive e lavora tra Italia, Brasile e Spagna. Dopo gli studi eseguiti al liceo artistico di Bari, spinto dalla passione per l’arte di strada inizia il percorso volto ad esplorare la relazione fra tempo e infanzia. I disegni, dal tratto meticoloso, raccontano uno spazio perduto e surreale ed un tempo sospeso. Gli scenari onirici ci trascinano all’interno della tavola. La natura diventa un soggetto per evadere dal caos. Le costellazioni, celando percorsi navigabili per raggiungere e oltrepassare un ricordo perduto nel tempo, tracciano la via per ritrovare le origini del nostro essere nella sua più assoluta semplicità ed autenticità rivelando l’incanto, la purezza, l’emozione. Ha collaborato con INWARD per Fluxus, opera realizzata nella stazione Circumvesuviana di Piano di Sorrento in collaborazione con EAV– Ente Autonomo Volturno. Nel 2019 ha realizzato a Triggiano il murales dedicato ai caduti di Nassirya, opera commissionata dall’amministrazione comunale e curata dall’Associazione Culturale Fillide.

Inaugurata con la mostra Velare, svelare, rivelare  con le opere di Muzna Al Musafer e Angela Ferrara , la rassegna In between, curata da Manuela De Leonardis, concepita dall’ Associazione Culturale Dunia  e realizzata con la partnership della Fondazione Pasquale Battista e il patrocinio dell’Assessorato alla Cultura e Conoscenza della Regione Puglia e del Città Metropolitana di Bari con l’obiettivo di sottolineare la pluralità di questi linguaggi nel farsi portavoce di tematiche di grande urgenza come l’identità culturale, la memoria personale e collettiva, la storia, la trasformazione urbana, le politiche di genere, la sostenibilità, l’ecologia al fine di offrire ad un pubblico eterogeneo una piattaforma di riflessione accessibile a diversi livelli, proseguirà con le mostre:

Settembre/Ottobre 2026 – Foglie d’Autunno, Ahmed Faizan Naveed | Gianvito Zito

Novembre/Dicembre 2026 – 100Kabuli, Sardar Hasani | Marco Marucci

Per tutte le informazioni o per interviste:

Rethinking landscape

Lim Young Kyun / Daniele Nitti

a cura di Manuela De Leonardis

9 / 22 giugno 2026                            

via Menotti, 2 – 70019 Triggiano (Bari)

venerdì/domenica ore 18.00– 21.00

lunedì/giovedì su prenotazione:

duniassociazione@gmail.com

@duniassociazione

mob. +39 339.3187430

GIOVEDI 16 APRILE DALLE 19.00

Giovedì 16 aprile, a partire dalle 19, la Galleria Misia di Bari ospita “Scritto col corpo”, mostra/performance di Nitx – Nit Nahum (lui/him), attivista transfemminista, antispecista e per la libertà di movimento. L’iniziativa, realizzata in collaborazione con l’Associazione Cellule Creative, si inserisce nel programma dell’edizione straordinaria del Festival delle Donne e dei Saperi di Genere. Il progetto rappresenta l’estensione di una prima attivazione, una walkscape realizzata negli spazi dell’Ateneo, tra Rettorato, Biblioteca di Ateneo, Aula Azandulùa e Don Tonino Bello presso For.psi.com, nell’ambito del seminario “Tender Proof. The Labor of Becoming”, a cura di Valeria Raho. In questo contesto performance, interventi sonori, le immagini in movimento hanno dato luogo a un dispositivo di ricerca condiviso che ha coinvolto le dottorande e i dottorandi del XXXIX ciclo in Gender Studies, Simone Cangelosi (regista), Rita Di Leo (performer e direttrice artistica), Loredana De Vitis (scrittora), Nitx (performer), Erika Magarelli (graphic designer), Francesca Maria Villani (pianista), provenienti da ambiti disciplinari differenti.

Il passaggio presso la Galleria Misia, realtà che ha recentemente celebrato i quarant’anni di attività,  spazio sensibile alle questioni sollevate nei seminari itineranti, si configura come un’azione di continuità volta a consolidare il dialogo tra istituzioni accademiche e spazi indipendenti per le arti visive e le pratiche di cura, ponendosi come prosecuzione del seminario “Space Invaders. Politiche e pratiche dello spazio. Immaginari e linguaggi”, che ha visto il coinvolgimento delle docenti Maria Giovanna Mancini (Università degli Studi di Bari) e Fabrizia Ippolita (Università della Campania Vanvitelli) nella giornata di giovedì 16 (ore 14-15), testimoniando la frizione produttiva che si genera quando società e istituzioni si incontrano, si espongono e si trasformano reciprocamente.

Negli spazi espositivi di via Nicolò Putignani Nitx presenta il reading “Smenkhara. Il giorno in cui Nefertiti divenne uomo e faraone”, tratto dal suo romanzo Killing Me Softly – Romanzo frocio (Agenzia X, 2022). La performance si accompagna a una selezione di opere polimateriche realizzate tra il 2022 e il 2025. L’intero progetto si articola attorno al tema della metamorfosi, ponendo il corpo al centro come luogo di trasformazione, scrittura e attraversamento, in una tensione costante tra dimensione individuale e costruzione politico-sociale dell’identità. All’inizio non accade nulla, o così sembra. Il corpo è già presente, prima ancora che lo sguardo lo cerchi: esposto e insieme sottratto, sospeso su una soglia. Il volto è negato, protetto, forse rimandato. Il tempo si dilata mentre il pubblico attraversa lo spazio e le opere, ignaro o complice di una presenza che sfugge alle definizioni. Poi il suono irrompe, e con esso il movimento.

Il corpo, fino a quel momento trattenuto, si espande in una danza minima ma progressiva: il respiro si fa gesto, la voce prende forma. Le parole arrivano, non spiegano: attraversano. Si alternano alla musica, si intrecciano ad essa, costruendo un ritmo insieme intimo e politico, fragile e determinato. Il corpo diventa testo, il testo diventa corpo. La maschera cade. Lo sguardo si offre, diretto, senza mediazioni. Non come rivelazione definitiva, ma come apertura: un invito a sostare in quella zona instabile in cui identità, desiderio e rappresentazione si sfiorano senza mai coincidere del tutto. Un invito a guardare, e a lasciarsi guardare, oltre ciò che pensiamo di conoscere.

Avvertenza per il pubblico: la performance e la mostra presentano contenuti che includono nudità, immagini a carattere sessualmente esplicito e riferimenti a processi di affermazione di genere attraverso pratiche medicalizzate.

Nitx, (Roma, 1979), dal 2012 si esibisce in laboratori e performance sui temi del genere, del consenso, della sessualità e del potere, miscelando tecniche teatrali, sportive, energetiche, magiche, erotiche e ludiche. La sua pratica artistica è nata nei Centri Sociali Occupati ed Autogestiti, ma è stata accolta anche in spazi privati o istituzionali tra cui Istituto Svizzero di Roma, Peggy Guggenheim Collection di Venezia, Museo Macro di Roma e l’Università IUAV. È autore di Killing Me Softly – Romanzo frocio, pubblicato da Agenzia X nel 2022. Accanto alle esperienze di scrittura e performative, realizza installazioni e serie fotografiche, come Top Surgery, presentata in occasione della collettiva Think Diverse! Genere, identità cultura presso la Tevere Art Gallery di Roma nel 2022. É anche educatore: dal 2004 al 2020 ha lavorato nella gestione e nella progettazione di servizi rivolti a bambin3, adolescenti, famiglie, persone richiedenti asilo e rifugiate, persone autistiche, persone disabili e con disabilità, donne in un percorso di liberazione dalla violenza. Dal 2023 è dottorando in Gender Studies presso l’Università di Bari, dove conduce una ricerca su diversità, spazio pubblico e pratiche di cura in prospettiva storico-politica, con particolare attenzione al ruolo della Pubblica Amministrazione.

Per tutte le informazioni o per interviste:

Info: https://www.nitx.it

MISIA ARTE GALLERY

via N. Putignani 153 – Bari

Info: 328 014 3914 | 347 433 1290

www.misiaarte.it

misiaarte@gmail.com – info@misiaarte.it

FB: Misia Arte Gallery

IG: Misia Arte Bari

Domenica 15 marzo alle 11

Misia Arte presenta una mostra di fotografie di Irene Pucci .

In esposizione una selezione di immagini tratte dal fotolibro

TARANTO LA CAPITALE Rossoblu’ SIDERURGICO

Talk con Isabella Battista giornalista ,ricercatrice
Mariateresa Salvati scrittrice e curatrice indipendente
Introduce Micaela Paparella Delegata della Città Metropolitana alla valorizzazione e tutela del patrimonio della Pinacoteca

Conversazione su Taranto tra questioni culturali e sociali partendo
dagli scatti in bianco e nero di Irene Pucci che ci restituisce un racconto
che non ha la struttura del reportage , bensì la dimensione della memoria,
il luogo di formazione dello sguardo , il ritorno nei luoghi d’elezione .
Pucci restituisce con un intenso bianco /nero la bellezza decadente della città tra i due mari ,
cerca risposte all’abbandono di opere pubbliche celebri come la fontana di Nicola Carrino ,
gioca con il riflesso della Concattedrale di Giò’ Ponti nell’acqua delle vasche ,
ripercorre i sentieri delle processioni, ritrova la densità del suo vissuto
….inevitabile appare nell’ultima immagine del libro la fotografia più radicale,
una scritta su un muro portavoce di dolore ,
ennesima denuncia ,che allude al sacrificio e alla compravendita della città ……

La mostra dura fino al 10 aprile
Orari di apertura 17-20 e su appuntamento

Per tutte le informazioni o per interviste:

MISIA ARTE GALLERY

via N. Putignani 153 – Bari

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OPENING 21 DICEMBRE

COMUNICATO STAMPA

Nel cuore della cantina Curtomartino, fondata da Pasquale Gentile, prende vita CURTOMART: un progetto che trasforma un hangar industriale in un luogo di libertà e di espressione. Qui arte e vino si fondono, diventando veicoli di emozione, riflessione e incontro.

Il progetto CURTOMART nasce come un dialogo aperto tra arte, materia e vino – un incontro di linguaggi,
sensibilità e visioni. Attraverso la maturata esperienza di Stefano Straziota da 42 anni tra i protagonisti della scena artistica territoriale con la sua galleria Misia Arte gli artisti coinvolti condividono un approccio autentico e sperimentale, capace di trasformare la Cantina Curtomartino in un luogo vivo, dove ogni opera diventa esperienza, rito e memoria.
Ognuno di loro interpreta, con il proprio linguaggio, il legame profondo tra terra, tempo e trasformazione,
elementi che definiscono tanto il gesto artistico quanto la creazione del vino.
Dalla pittura murale ipnotica di Awer alla geometria sacra e rituale di Jasmine Pignatelli, dalla matericità
simbolica di Pino Malerba alla dimensione digitale e onirica di Michele Priore, le loro opere costruiscono un
percorso sensoriale e concettuale che invita alla contemplazione e al dialogo.
Quattro visioni, quattro forme di racconto, unite da un comune denominatore: la capacità di restituire alla
materia la sua anima, trasformando lo spazio in esperienza e la percezione in emozione.

Per tutte le informazioni o per interviste:

MISIA ARTE GALLERY

via N. Putignani 153 – Bari

Info: 328 014 3914 | 347 433 1290

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misiaarte@gmail.com

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#ZED1
 
Marco Burresi, meglio conosciuto come Zed1, è tra gli street artist italiani più apprezzati e conosciuti. Nato nel 1977 a Firenze in Toscana, l’artista ha iniziato a dipingere muri durante la prima metà degli anni ’90. La sua estetica è il risultato di un personale immaginario pittorico capace di intercettare e veicolare in modo efficace temi e spunti legati alla società e all’essere umano.
Il contatto con le opere dell’artista giunge attraverso una duplice riflessione che abbraccia sia l’universo interiore, con le differenti sfaccettature emotive e psicologiche che caratterizzano l’uomo, quanto quello esteriore, con il quotidiano e la società contemporanea come principali palcoscenici delle opere e delle ‘scene’ raffigurate. Questo particolare approccio rivela tutta la natura introspettiva e dinamica della pratica artistica dell’autore toscano. Le situazioni e gli argomenti trattati risultano spesso legati al luogo di lavoro oppure in funzione di riflessioni di volta in volta differenti e capaci di abbracciare temi ed argomenti di varia natura.
Zed1 ha compreso che non è possibile trattare ed affrontare in modo efficace temi personali e intimi escludendo elementi e sfumature legate alla società nelle quale viviamo. In questo senso l’autore lavora servendosi di una forte componente narrativa: tratta di volta in volta un argomento differente servendosi di potenti analogie visive che rappresentano e sintetizzano al meglio il canovaccio tematico, il tema generale con cui si è confrontato.
In questo approccio si serve di elementi appartenenti alla cultura popolare e tradizionale, facili da riconoscere ed assorbire, pensati per far comprendere al meglio ciò che si sta osservando. La facilità di fruizione accompagna l’immedesimazione da parte di chi osserva attraverso un sistema di immagini e riferimenti diretti ed immediati. Il risultato sono la moltitudine di circostanze e situazioni in cui nel corso del tempo Zed1 ha calato i suoi characters.
Figure surreali e vicine al mondo delle fiabe, quest’ultimi rivelano tutti quegli aspetti contraddittori della società moderna e le fragilità proprie dell’essere umano. L’uomo, la sua esistenza fatta di scelte e di ciò che è giusto e sbagliato, le costanti incertezze e difficoltà, rappresentano solo alcuni dei temi affrontati dall’artista per spingere e farci riflettere sulle complessità emotive che scandiscono questi tempi e la nostra stessa esistenza.
Zed1 intercetta con il suo lavoro tutti quegli aspetti esistenziali ed emotivi che appartengono a ciascuno di noi rielaborandone la forma e la sostanza attraverso un codice visivo altamente personale, comune e chiaro.

A due passi dalla città vecchia, nei pressi del castello normanno-svevo, si nasconde il Bistrot La Bul, gioiello culinario Barese.
Interiors curati da Anna Gambatesa e Stefano Straziota; sedute anni Quaranta e Cinquanta interamente restaurate dagli artigiani di Misia Arte; applique stile Mid-Century disegnate e progettate da Misia Arte & Cellule Creative.
Nel ritratto Antonio Scalera (chef) e Francesca Mosele (sommelier).

Ristrutturazione di appartamento situtato a Bari, all’ultimo piano di un palazzo di epoca Umbertina. Soprelevazione risalente agli anni ’60, adibito precedentemente a canonica. Importante riprogettazione dei volumi e della parte strutturale.
Studio Cusatelli/Campanale Interior Design, a cura di Anna Gambatesa e Stefano Straziota, per gli arredi galleria Misia Arte.

Sculture arazzi di Claudio Varone ed Anneke Copier, Fari dipinti ad olio su tavola di Pietro Capogrosso

E’ una vita nuova, fatta di luce e di respiro quella che una sapiente ristrutturazione ha regalato a questo appartamento nel cuore di Bari. All’ultimo piano di un edificio ‘900, occupa un ampliamento realizzato negli anni ’60 che era la canonica del parroco della vicina chiesa del Sacro Cuore, suddivisa in stanze tradizionali collegate da un corridoio . Oggi grazie al taglio più contemporaneo alterna spazi aperti, come il grande living affacciato senza diaframmi verso la cucina /pranzo, a stanze più raccolte per dimensione, come le camere da letto. Autrice delle scelte che hanno determinato l’aspetto attuale è Anna Gambatesa, gallerista e interior designer barese  che nella sua galleria Misia Arte propone da anni un discorso che interseca discipline differenti, dall’arte al design alla decorazione, unendo ricerche storiche e produzioni contemporanee. Mentre le soluzioni strutturali sono state risolte dallo studio di architettura 3C+M , Anna Gambatesa ha affrontato le scelte estetiche più importanti che hanno dovuto tenere conto, tra l’altro, dei differenti desideri espressi dai padroni di casa. Luigi Morfini, imprenditore nel campo del turismo ( suo il celebre hotel/residenza Palazzo Calò nel cuore della Bari vecchia) e la moglie Valentina, che dopo anni di professione si dedica ora ai due figli Francesco e Daria, avevavo infatti orientamenti diversi. Più fredda e hi-tech quella di Luigi, più femminile e ispirata alle case francesi quella di Valentina.

Anna Gambatesa ha saputo cucire entrambe le aspettative, creando un dialogo tra due visioni difficilmente conciliabili. Il risultato è evidente soprattutto nel grande salone che come un palcoscenico luminoso mette in risalto una serie di arredi e di opere d’arte che dagli anni ‘50 arrivano a oggi. I due mondi dialogano fronteggiandosi: sul lato esterno le strutture in ferro nero lasciate a vista hanno un carattere quasi industriale, danno ritmo alla stanza e creano una sequenza visiva interessante. Sul lato opposto una boiserie in legno dipinto in delicato grigio chiaro ingloba la porta che accede alla zona notte e un mobile bar sapientemente nascosto, e dà un senso di continuità all’intera parete che ospita elementi disomogenei. “Per unire due inclinazioni diverse, entrambe stimolanti, – racconta Anna Gambatesa- mi sono ispirata allo stile dell’edificio primi Novecento che offre spunti decorativi interessanti, a partire dalla boiserie nell’atrio d’ingresso”. La scelta di realizzare il pavimento in resina chiara ha avuto come effetto una dilatazione dello spazio. Agli arredi, dunque, il ruolo di protagonisti : importante non solo per dimensioni il tavolo da pranzo anni ‘70 circondato da sedie anni ’50 in mogano, la libreria che suddivide in due aree il salotto creando un diaframma tra le poltrone rivestite in velluto e la zona divani , risolta con un pezzo firmato da Antonio Citterio che dialoga con la storica seduta in midollino di Franco Albini. Il colore è affidato agli elementi tessili, ai rivestimenti delle sedute e al raro tappeto cinese anni ‘30 nei toni del verde; fanno eccezione le opere in feltro di Claudio Varone, rigorosamente in bianco nero la cui tridimensionalità  trova affinità con la boiserie. Il colore torna nella zona notte, in una tonalità avvolgente nella camera padronale che comunica con il bagno disegnato da Anna Gambatesa con tocchi raffinati, rigorosi nei volumi di pietra del lavabo e più caldi nell’armadio su misura che riutilizza due ante anni ’50. L’impianto assai razionale dell’abitazione, che si svluppa formando un anello intorno al vano scale, viene stemperato proprio dalla decorazione che sa mantenere, però, una certa discrezione. Così il tappeto di piastrelle fantasia che ‘scalda’ il pavimento della cucina o il rivestimento in tessuto del lungo armadio sospeso che occupa il corridoio della zona notte. Qui maschile e femminile hanno trovano reali momenti di dialogo, senza rinunciare, ciascuno, alle proprie aspirazioni.

Ristrutturazione di appartamento di fine Ottocento, sito nel centro murattiano di Bari in un importante edificio storico con giardino interno, progettato dall’arch. Francesco Carofiglio. Particolare ricercatezza nella cura degli interni, seguita da Anna Gambatesa con la galleria Misia Arte per gli arredi.

Gianrico Carofiglio è uno degli scrittori italiani di maggior successo, vincitore di innumerevoli premi, i cui libri sono stati tradotti in più di 27 paesi stranieri. Il suo talento letterario è emerso nel corso dell’attività di magistrato che ha esercitato per molti anni, per poi abbandonarla e dedicarsi interamente alla scrittura. Bari, la città dove è nato e dove risiede, fa da sfondo a numerose storie che ha raccontato nei suoi volumi e la sua stessa abitazione è profondamente barese, con un impianto architettonico tipico della città, sia all’interno sia all’esterno. Al piano nobile di un edificio di fine ‘800, con soffitti molto alti e in alcuni casi affrescati, è un interno di famiglia in cui Carofiglio vive con la moglie Francesca, magistrato, e i due figli che studiano lontano da Bari. Gradini di marmo disegnano la scala d’accesso i cui muri lievemente scrostati testimoniano il passare del tempo, mentre alcune vasche di marmo, abbandonate sul pavimento dell’androne, raccontano di una regione, la Puglia, dove la storia ha lasciato ampie tracce. Ci si aspetta una casa severa ed è una piacevole sorpresa incontrare un appartamento eclettico, a tratti colorato, ora affollato ora rarefatto, con con magnifici pavimenti originali in pastine di cemento che disegnano grandi tappeti bordati di pietra chiara. La casa ha subito, al momento dell’ingresso degli abitanti, una ristrtturazione firmata dal fratello dello scrittore, Francesco Carofiglio, architetto illustratore e anche scrittore. Il progetto degli interni, invece, è stato affidato ad Anna Gambatesa, proprietaria della galleria barese Misia Arte, punto di rifermento per la città così come Misia Sert, musa leggendaria d’inizio ‘900 lo fu per tutti gli artisti delle avanguardie storiche. “E’ un progetto in progress- racconta la gallerista – che nasce da un rapporto d’intesa con i padroni di casa. Pezzi d’epoca e di design, oggetti e opere d’arte convivono senza eccessive ambizioni formali, seguendo piuttosto il gusto personale”. Superata l’entrata priva di finestre, che la tradizione locale vuole di dimensioni importanti e che Anna Gambatesa ha immaginato foderata di libri, si accede alle tre stanze che in sequenza creano un’infilata suggestiva. Dalla sala da pranzo lo sguardo arriva allo studio, soffermandosi sulle magnifiche sovraporte che rendono monumentale ogni ingresso. La stanza centrale è quella dove design e arte contemporanea stabiliscono il dialogo più serrato: un dittico che si accende con un piccolo neon di Daniela Corbascio inquadra la finestra, un feltro di Claudio Varone, della serie Felt for Architecture, è una dichiarazione colorata, mentre il divano Flap di Edra dispiega tutta la sua iconicità . La sala da pranzo ha toni più morbidi e opere d’arte di grande interesse tra cui un ritratto di Domenico Cantatore, pittore d’origine pugliese del ‘900 di fama internazionale e un Sol Lewitt dai toni misteriosi. Al centro, sotto la splendida volta affrescata in stile simobolista inizio ‘900 da uno dei fratelli Prayer che da Venezia scelsero Bari come patria adottiva,  il lampadario originale illumina un singolare tavolo dalla base scultorea firmato Pierre Cardin. Con un gioco di ricercata simmetria si fronteggiano due divanetti da teatro d’inizio ‘900 e due consolle disegnate da Misia Studio. Se la cucina ha una calda domesticità, la camera padronale ha assonanaze orientali date dalle porte di legno che chiudono una nicchia, dallo stesso letto che pare un tatami sospeso su una piattaforma e dal tessuto caucasico che lo ricopre. Vale la pena di affacciarsi alla finestra per scoprire la presenza del verde sul retro dell’edificio. A Bari vengono chiamati i giardini murattiani, nati con il rinnovamento urbanistico voluto da Gioacchino Murat, allora re di Napoli all’inizio dell’800. Il mare è lontano ma se ne avverte la presenza anche quando non lo si vede. Per Carofiglio deve essere importante . Del resto, in  una città/porto, Marsiglia, ha ambientato il suo ultimo romanzo intitolato “Le tre del mattino”. Ed è emozionante sapere che è nato tra le pareti di questa casa.

Nell’abitazione con giardino a piano terra, la scelta è stata quella di valorizzare tratti e materiali tipici della casa pugliese. Quasi una piccola galleria, con una selezione di pezzi iconici del design, dagli anni ’50 a oggi.

Nei locali in passato adibiti a deposito per il legname è stata ricavata una casa tipica nel cuore della città: siamo
a Bari e la piccola abitazione risale al periodo murattiano, ossia alla prima metà dell’800. L’origine del luogo e
le sue caratteristiche peculiari sono state preservate grazie all’attento e intelligente intervento di recupero dei materiali e degli elementi architettonici che in mlti casi eranooccultati da ristrutturazioni precedenti, ora ritornati alla luce.
Gli sfondi delle pareti in tufo e delle pavimentazioni in pietra naturale, rifinite in diverse tonalità di bianco, contribuiscono ad aumentare la luminosità naturale:
era questo uno degli obiettivi prioritari del progetto. La forte matericità degli ambienti, oltre a esserne elemento distintivo, ha permesso anche che risaltassero gli arredi di modernariato degli anni ’50 e ’60, accostati a pezzi storici del design “esposti” come in una galleria.
Infatti la casa è anche un po’ un atelier in cui i progettisti mettono in mostra pezzi da collezione accanto ad altri realizzati da loro stessi su disegno.
Ispirazione vintage nell’open space, tra produzioni nate dalla creatività dei progettisti stessi e pezzi da collezione selezionati, in un mix and match di grande gusto e carattere.
Le essenze rovere e acero degli elementi d’arredo, dei complementi e degli oggetti esposti sui ripiani, contribuiscono a scaldare l’ambiente. Tra living e cucina c’è continuità di stile,
e dall’equilibrio d’insieme non è esclusa neppure la zona operativa, che si concentra
in un blocco compatto inserito in un’ampia rientranza lungo la parete delimitata dal pilastro.
La camera matrimoniale è un ambiente di piccole dimensioni, poco più della superficie
minima prescritta dalla normativa per questo ambiente. Tuttavia, attraverso la realizzazione
di una mini cabina armadio angolare e di due armadi in nicchia, è stato posssibile ricavare adeguati spazi per contenere, a ingombro minimo; non soltanto, queste soluzioni introducono movimento nell’ambiente individuando anche, davanti alla finestra, la profondità per inserire uno stender.

Una dimora estiva e non solo, nel quore di Andrano piccolo borgo salentino nelle vicinanze di Tricase divenuta ormai dimora abituale di personaggi famosi in cerca di isolamento .

Una selezione di oggetti chic e materiali moderni pensati per inserirsi in un contesto storico come se fossero sempre stati presenti è stato il lait motiv dichi ha eseguito il progetto.Una ristrutturazione di un edifico di inizio secolo scorso eseguita con sensibilià e piccole accortezze al fine di non alterare l’equilibrio storico e l’antica razionalità con la quale questi edifici si realizzavano. Un serie di spazi si susseguono su più livelli, l’accesso avviene attraverso una scala in pietra colorata che porta al primo piano dove vi è un piccolo disimpegno dal quele si accede ad una cucina con terrazzino riparato da una vite di uva fragola pianta tipica del luogo, un ampio living con un grande camino e una camera da letto con volte a stella di cinque metri  decorate con un bagno dedicato. Proseguendo attraverso la corte principale che affaccia sulla via maestra che porta verso il mare si sale al secondo piano dove si entra in una sorta di limbo dal sapore medio orientale caratterizzato da una piccola depandace che sfrutta tutto il lastrico solare, rigoglioso di piante tipiche della macchia mediterranea, la vista sui tetti con differenti sbalzi di quote continui è surrealista .

Un esempio di come con semplicità si possa coniugare eleganza e tradizione.

L’UTOPIA VISUALE DELLA FORMA

di Francesco Castellani