Cellule Creative aps | Galleria MISIA ARTE

HOGRE è lo pseudonimo di uno street artist romano, la cui notorietà da tempo ha varcato i confini dell’Italia per il clamore e la potenza espressiva dei suoi interventi non autorizzati, realizzati nello spazio pubblico con lo scopo di ribaltare i messaggi dei media contemporanei. Dal 2007 l’artista interviene realizzando stencil, affissioni di poster, pittura murale scegliendo un linguaggio ironico e provocatorio, sovversivo e destabilizzante, alterando e ricreando immagini e testi pubblicitari, contribuendo così a un importante processo di ri-significazione dello spazio urbano.

HOGRE, la cui identità è ignota poiché da sempre opera nell’anonimato, concentra le sue azioni principalmente sulla grafica e sulla pratica del subvertising, di quest’ultima in Italia è tra gli esponenti più radicali e vibranti. Il termine (subvert + advertising) indica le strategie artistiche e comunicative atte a sovvertire il linguaggio pubblicitario nei luoghi dove questo si esprime: la strada, i cartelloni, le etichette delle merci.

Scritte e segni sui muri di una città possono esprimere le sue ferite non suturate, alcuni graffitari si spingono oltre, considerando
le tracce murali il sintomo di una malattia iscritta sulla superficie del corpo urbano, naturalmente per la maggioranza degli artisti la street art è simbolo di libertà, antagonismo, affissioni durante le uscite clandestine notturne, corse sfrenate per i “lungolinea” non autorizzati. Al fine di restituire la complessità anche ossimorica delle pulsioni che animano questo linguaggio artistico, da tempo è

stato accolto in taluni contesti culturali, il neologismo “artivismo” (Lemoine, Ouardi 2010), volto a richiamare la natura estetica dell’opera, enfatizzandone lo slancio verso l’impegno politico e sociale. Con HOGRE ci troviamo difronte a qualcosa di diverso: le sue opere si stagliano su sfondi dai colori pop che ne esaltano, fino a consacrarla, la natura consumistica della merce ritratta, trasudano sferzante ironia come nell’opera del 2023 rappresentante il muso del treno ad alta velocità denominato Feccia Rossa. Uno spettro si aggira ancora per l’Europa, unitamente ad implacabili giochi di parole – si veda il dipinto su vetro del carrarmato Ammazzo al posto di Amazon.

Una prassi di stampo dandy-punk caratterizza molti aspetti dell’agire creativo di HOGRE, come avviene, ad esempio nella minuziosa produzione e condivisione di kit in stile DIY – do it yourself, utili per diffondere pratiche e linguaggi capaci di risemantizzare lo spazio urbano (cfr. si veda l’accuratezza dei dettagli nel packaging del kit per lo stencil della mosca e la pubblicazione del 2018 intitolata

Subvertising. The piracy of outdoor advertising), senza che, tuttavia, tale estetica divenga mera ancella di un messaggio politico. HOGRE, pseudonimo di uno street artist romano, è tra gli esponenti più radicali
e vibranti in Italia del subvertising, la sua notorietà da tempo ha varcato
i confini nazionali grazie ad una appassionata agentività creativa che lo ha portato a specializzarsi sempre più, tanto nella grafica quanto negli interventi in spazi pubblici non autorizzati, direttamente sui cartelloni pubblicitari o ricreandone di nuovi, da solo o in compagnia di collettivi con i quali opera sempre nell’anonimato: la sua identità, infatti, è tuttora ignota. Le sue prime azioni urbane firmate HOGRE risalgono al 2007, successivamente è comparso anche il logo della mosca a rappresentare i suoi lavori: insetto fastidioso, il cui ronzio irritante riproduce l’effetto che l’artista auspica di suscitare nel pubblico e nei passanti per strada

al cospetto delle sue tracce murali: viscosità e ronzio nel cuore della metropoli all’alba del declino della cultura occidentale.
La mosca è uno degli elementi portanti della personale barese, come si può notare, ad esempio, dal grande lavoro Human Fly (2023), un acrilico dipinto su di un manifesto pubblicitario di moda prelevato dalla strada, rappresentante un essere umano il cui volto è completamente sostituito da quello dell’odioso insetto.

«Mi piace interrompere il chiacchiericcio del consumismo commerciale per dirottarlo verso qualcos’altro per un piacere tutto personale» sostiene HOGRE in un’intervista del 2019 (Artribune), evocando tanto l’immaginario situazionista quanto l’attitudine punk che innerva la sua poetica e la sua pratica.

Morning, keep the streets empty for me Uncover our heads and reveal our souls We were hungry before we were born (Fever Ray, 2009)

Bari non è mai diventata una giungla urbana per graffitari, né è stata oggetto di mero vandalismo come altre città italiane, tuttavia si può
far risalire la storia del muralismo locale al principio degli anni Novanta, mentre all’alba del nuovo Millennio si è inaugurata una stagione decisamente nuova per la street art. Lo stesso HOGRE ha già fatto un’incursione nella città nel 2021, chiamato a realizzare un’intera facciata per il progetto QM San Paolo – Un museo a cielo aperto. La street art, intesa in senso ampio nella sua multi-e transmedialità, è movimento

e linguaggio artistico tra quelli più in sintonia con lo spirito del tempo,

poiché paradossalmente rispetto ai propri intenti antagonisti, è
capace di con/formarsi (assumere cioè le forme) e accordarsi in modo disintermediato con i bisogni e i desideri delle persone nei propri luoghi: manifesti e poster per strada, tag e scritte sui muri, stencil ironici e paradossali. È precisamente in questi interstizi metropolitani, nei Piccoli Alti Luoghi (Maffesoli 2005) della città postmoderna, dove l’architettura rivela le sue pieghe, che si inserisce la raffinata strategia di subvertising di HOGRE, rendendo possibile per le strade dei quartieri a più densa attività murale l’attivazione di zone temporaneamente autonome – TAZ (Bey, 1991) nel cuore dell’effervescenza urbana, a interrompere i ritmi imposti dalla routine del lavoro e delle dinamiche del consumo. Subvertising indica, attraverso la crasi di subvert + advertising, la modalità attraverso cui alterare il senso e i contenuti di immagini, oggetti e testi pubblicitari nei luoghi stessi dove questi appaiono: pensiline delle fermate degli autobus, billboard, scaffali dei supermercati attraverso
la pratica del product shifting, che prevede la sostituzione di prodotti dalla grafica abilmente contraffatta e dal messaggio sovversivo o anche semplicemente ironico, mimetizzati accanto alla consueta merce in vendita. Così è stato per le bottiglie di birra Problemi (firmate Giovane Hogre invece di Giovanni Peroni), mutuate dall’originale Peroni, di cui sono presenti nella personale da Misia alcuni esemplari originali realizzati dall’artista unitamente a due grandi acrilici.

Attualizzando l’idea suggerita da Walter Benjamin nel 1936 ne L’opera d’arte all’epoca della sua riproducibilità tecnica, secondo la quale solo “l’architettura ha sempre fornito il prototipo di un’opera d’arte la cui ricezione avviene nella distrazione e tramite la collettività” (p. 34), si può dire che le opere realizzate da HOGRE nel tessuto urbano, divengano naturalmente parte del corpo della città e, come tatuaggi, ne recano sensi e sedimentazioni: inontrate per caso in un qualsiasi momento del giorno e della notte, attivano inediti processi emotivi e di partecipazione, che sia stupore o sorriso complice alla vista di un brand “vandalizzato” nel suo analogo, come quando la polo Lacoste diviene Locuste.

Testo a cura di :

Claudia Attimonelli è sociosemiologa, insegna Media, Studi visuali e Cultura digitale all’Università Aldo Moro di Bari. Curatrice nell’ambito della visual culture, è autrice di numerosi saggi sulle culture urbane, tra cui: L’elettronica è donna (2022); L’estetica del malessere (2020); Techno (2018) ; Pornocultura (con V. Susca, 2016).

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di Valentina Bonomo

Il tempo era calmo e bellissimo: la lava splendeva contro il suolo buio come un’immensa costellazione.

(Hans Christian Andersen)

Il lavoro di Awer è lo stupore, la sorpresa, i colori del nero e del blu, l’energia del vulcano che si avvicina alle visioni fantastiche del mondo virtuale.

Del vulcano possiede la caratteristica forza, tremenda e irresistibile. La linea di Awer non è più segno, ma come la lava, come il ghiaccio, diventa sensazione, striscia continuamente, risucchia lo sguardo conducendolo attraverso una danza senza sosta in spazi nuovi fatti di scintillii, spirali e vortici.

Il personalissimo universo di Awer è la rappresentazione di uno scenario visto non come magma informe, ma come un insieme di reticoli di linee di cui l’artista rivela i meravigliosi meccanismi e in cui si percepisce un’intelligenza creatrice.

Chi guarda Awer sprofonda nella contemplazione delle sue opere avvertendo nel suo linguaggio una forza sobria, colma di arguzia e vitalità. Di Awer affascina la sua attenzione nel descrivere il dettaglio, così come quella di attrarti verso luoghi infiniti. Una visione attenta che si sviluppa in un pensiero integro.

Le visioni di Awer, accessibili a tutti, perché spesso realizzate in grandi dimensioni su pareti di centri abitati, sono protese verso il mondo, verso la vita esterna, rivelando la capacità di portarti altrove nella rappresentazione di un mondo, reale o virtuale che sia, ma di sicuro meraviglioso. 

MERCURIO’S ENERGY

una potenza inaspettatamente evaporata lascia insegnamenti fondamentali alla visione del vissuto contemporaneo, dettando legge nel potere del tratto che avanza sicuro verso l’ignoto.

PORTALISM

aprire portali e attraversarli come forma di costante cambiamento, lasciando all’esperienza ogni dettaglio che la renda unica, mentre il tempo trasforma l’inconscio nella prossima avventura.

MINDSCAPES

cartoline dal profondo delineano scorci di panorami noti alla memoria labile, una sorta di deja vu racconta i silenziosi luoghi che arredano la costa frastagliata della mente.

OUTSIDE sempre in movimento: una selezione di alcuni progetti murali realizzati negli ultimi anni, accompagnati da una mappa temporale che ricorda alcune delle tappe più importanti dell’ultima decade

Awer nasce a Polignano a mare nel 1986, inizia a dipingere graffiti intorno al 2000 e 
nel 2005 si trasferisce a Milano dove si diploma come grafico e art director alla
Nuova Accademia di Belle Arti nel frattempo ha iniziato la sua ricerca artistica
personale e ha avuto l’opportunità di iniziare con le prime mostre e commissioni;

attualmente lavora come artista freelance e ha sede a Berlino.Il suo lavoro è un mondo basato sulla linea dove paesaggi e creature oniriche ipnotizzano lospettatore in questo fluido vibrante in movimento perpetuo.Ispirato da creazioni della natura, mare e anatomia, Awer è un magma fluido in continuomoto che avanza e si propaga in modo caotico, prendendo forma dal flusso diidee che incontra e che il suo movimento genera in una sorta di danza. Un ipnoticoScenario estetico che utilizza gli “stili” dell Op Art, arte psichedelica e computergrafica per creare paracosmi visivi surreali. L’immagine di Awer è dominatada flussi irregolari di linee parallele che come se fossero mossi da onde di un ritmo sonoro,si diffonde vivacemente come tracce di energia.Produzioni artistiche che indagano i confini della percezione, cattura la vistadello spettatore in un’esperienza sensoriale.

Nato in Yorkshire (Inghilterra) da genitori immigrati (madre Italiana e padre ungherese).
Spinto forse dalla mancanza di radici, inizia a esplorare il mondo già in giovane età: trascorre lunghi periodi in Norvegia e Francia, vive per un anno in Australia e visita diversi paesi asiatici, per ritrovare poi parte delle sue origini in Italia, dove abita da 25 anni a Modena, diventata ormai sua città d’adozione.
Ha iniziato la carriera di fotografo per documentare e comprendere il suo mondo; la professione principale di antiquario lo porta, infatti, costantemente a contatto con oggetti dimenticati, spesso in pessimo stato o assemblati in modo casuale e disordinato, ai quali il suo occhio riesce a conferire oltre a una dignità estetica, la capacità di sollecitare emozioni e sentimenti in chi osserva.
Ritrattista di oggetti prima e di persone poi, con la pubblicazione in riviste specializzate di ritratti di alcuni celebri personaggi del mondo della lirica e dell’architettura, sempre caratterizzati dallo sguardo sensibile di chi riesce a coniugare estetica e interiorità.
Il suo percorso artistico l’ha portato più di recente a cimentarsi con la difficile realtà delle grandi metropoli; con le concezioni architettoniche, percepite attraverso angoli inediti o inusuali visioni geometriche. Per questa capacità gli è stato conferito l’incarico di documentare le condizioni attuali e la vita quotidiana delle architetture e dei parchi progettati e costruiti dall’architetto Cesare Leonardi, nella retrospettiva “Cesare Leonardi-L’Architettura della vita” dedicatagli a Modena dal 17.9.2017 al 18.2.2018 alla Galleria Civica, al Palazzo Santa Margherita e alla palazzina dei Giardini Pubblici (Catalogo Lazy Dog Press, 2017).
Ha esposto per diversi anni al “Puces au design” di Parigi.
Nel corso degli anni la fotografia è diventata per Nemeth uno strumento sempre più profondo d’introspezione psicologica, come dimostrano gli ultimi lavori esposti alla galleria Misia per la mostra “Natura contro Natura”.

Pietro Capogrosso nasce a Trani nel 1967. Ha frequentato i corsi di pittura presso l’Accademia di Belle Arti di Brera dove si è diplomato nel 1990. Dopo la prima personale del ‘97, l’artista ha esposto in alcune fra le principali gallerie italiane dedite alla pittura contemporanea, oltre che in diverse collettive europee, in Biennali (Venezia-Bari-Mosca 2011) e Quadriennali (Torino 2004). Vive e lavora tra Milano e Trani. Del 2013 è la sua prima personale nella galleria Paolo Erbetta di Berlino. Del 2005 è la personale “La luce negli occhi”, nel cui catalogo Achille Bonito Oliva definisce il ‘confine’ di Capogrosso come frutto di un processo creativo in cui precipitano più linguaggi – pittura, scultura e architettura – frutto anche di una identità antropologica che rinvia ad una sensibilità mediterranea. Ed è dai Balcani che proviene quella che chiamiamo “cultura mediterranea” – che non può essere egemonizzata semplicemente dal logocentrismo occidentale – un’idea di bellezza tipica di una tradizione che trova le sue linee nell’arte greca ma anche nella cultura orientale, nella cultura araba, in cui l’ornamentazione e la decorazione non sono frutto secondario ma un’opzione parallela a quella della figurazione, utilizzata prevalentemente nell’arte occidentale. Dal 2015 insegna disegno presso l’Accademia di Belle Arti di Roma.

Nasce nel 1950. Fotografa dal 1979. Inizia il suo percorso lungo i territori della memoria antropologica e privata. Matura dal 1985 il suo interesse per la fotografia di luoghi e di paesaggio,fissando la sua poetica con la serie “Dai bordi e al margine”.
Nel 1998 è invitato a far parte della mostra itinerante “ Nuovo Paesaggio Italiano”,curata da Maria Grazia Torri (Milano,Padova,Messina,Fermignano,Parigi). Nel 1999 partecipa alla mostra “Paesaggio italiani del ‘900”,curata da Diego Mormorio (cat. Motta).
Nel 2001 è invitato alla IX Biennale Internazionale di Fotografia / “Border Stories” a Torino,curata da Denise Curti (cat. Fondazione Italiana per la Fotografia). Nel 2002 espone alla mostra “Paesaggio Italiano”,nel lambito di “FOTO-GRAFIA”, primo festival Internazionale di Roma (cat. Bruno Mondadori). Nel 2004 espone,presso La Corte,fotografia e ricerca,Castello Svevo di Bari,”complanari Est” (personale.
Nel 2005 e invitato a far parte della mostra “Mediterranea”, Bari, a cura di Clara Gelao,(cat. Motta). Espone nel 2007,presso la Alliance Française di Bari, “Viaggi in Marocco” (personale),nel 2008 presso la Galleria Museo Nuova Era di Bari, “Bestiario” (personale),nel 2009 presso la Galleria BluOrg di Bari, “Dentro la Lama” – fotografia d’autore dal Parco Lama Balice”(collettiva).
Nel 2011 è invitato a far parte della mostra “Esprit Mèditerranèen” a cura di Cosmo Laera (catalogo) e espone nella mostra “paesaggi & Paesaggi” – Un dialogo tra pittori antichi e fotografi contemporanei, presso la Galleria Nazionale della Puglia,Bitonto, (ba). Suoi lavori sono conservati in varie raccolte pubbliche e private, tra cui la Bibliothèque Nationale di Parii, Dèpartement des Estampes et de la Photographie.

Dopo varie esperienze pittoriche e scultoree, a partire dalla metà degli anni Settanta l’artista rivede i termini delle sue precedenti ricerche, spinta dall’esigenza di operare senza più legami di attinenza con i codici del già fatto e con i mezzi tradizionali della pittura. Fa quindi ricorso all’ago, al filo e alla tela, e prosegue il suo lavoro prevalentemente con questi nuovi mezzi, per il bisogno di una libertà creativa tesa a recuperare significati che apparivano perduti. Col tempo la sua produzione acquisisce una maggiore densità umana e, per un processo venuto a svilupparsi dall’interno verso l’esterno, la sua opera diventa indossabile e assume, con la realizzazione dell’“abito mentale”, uno specifico segno di identità comportamentale.
Oltre a queste ricerche Franca Maranò s’interessa alla scultura e alla ceramica, eseguendo lavori – anche di vaste dimensioni – per conto di istituzioni ed enti pubblici e per collezionisti privati.
Nel 1970 l’artista è tra i fondatori del Centrosei, prima galleria d’arte d’avanguardia a Bari, che diventa il trampolino di lancio per tutte le sue successive produzioni fino al 1991, anno di chiusura della galleria. È protagonista di numerose mostre personali a Roma, Milano, Torino, Pescara, Trieste, Napoli, Lecce. Numerose sono anche le partecipazio-ni a collettive regionali, nazionali e internazionali tra cui: WIAC di Londra (1965), Mostra Internazionale della Ceramica d’Arte di Faenza (1965-66), Arte 70 in Puglia (Torino, 1970), Appunti sulla Puglia a Milano (1980), K 18 – Stoffwechsel a Kassel (1982), Testi Tessili (Roma-Milano, 1983). Ha inoltre partecipato, con il Centrosei, a diverse edizioni dell’Expo Arte di Bari, dell’Arte Fiera di Bologna e di Art Basel.
Muore a Bari nel 2015.
Nel 2017, la galleria MISIA ARTE ospita la prima retrospettiva dedicata all’artista dal titolo “Franca Maranò: la magia delle mani. Linee – punti – abiti/corpo”, con una selezione di opere prodotte tra gli anni Sessanta e Settanta.

Tullio De Gennaro nasce a Bari nel 1948. Si diploma all’Accademia di Belle Arti di Napoli.

Nel 1972 organizza con N. Sgambati, B. Impegno, E. Pomella il gruppo C.R.P.A. (Centro Ricerche Poteri Alternativi) e con quaesto espone nelle gallerie di Lucio Amelio a Napoli e Franco Toselli a Milano.

Dal 1980 espone con la galleria di Marilena Bonomo di Bari e con la sua organizzazione sono state possibili mostre ad Utrecht, Ginevra, Spoleto, Madrid, Bruxelles, Londra, Basilea, Atene, Los Angeles, Cipro, Berlino, Torino, New York, Roma.

Le sue principali mostre personali, le installazioni sonore, environnement ed i video sono stati realizzati presso le gallerie di: A.M. Verna Basilea, Jack Tilton Ne4w York, Anders Tornberg Lund, Stokholm Swedwn, Pohlhammer Steyr Austria, lipanje- Puntin Trieste. Ginevra, Hayward Londra, Museo Casabianca Malo, L. Hallet Londra, Artiscope Bruxelles, air gallery Londra, Alessandra Bonomo Roma, Centro Arte Contemporanea Ginevra, Italienisches Kulturinstitute Vienna, Duisburg, festival dei due mondi Spoleto, Centro Diaghilev Mola di Bari, Los Angeles California.

Ha collaborato con i musicisti jazz Marcello Magliocchi e Roberto Ottaviano con cui ha realizzato varie performances.

Nel maggio del 2017 è presente nella galleria Misia Arte con l’esposizione “Quando giochi a carambola”, presentando una serie di opere risalenti al periodo tra il 1995 e il 2008. Si tratta di lavori in cui l’artista sperimenta le sue espressive, “decostruite” campiture cromatiche sia su grandi formati sia su supporti di piccole dimensioni. A caratterizzare l’intero ciclo è l’andamento ritmico, l’armonia compositiva e la leggerezza.

In basso, la Gallery delle opere di Jasmine Pignatelli e un video sull’opera pubblica LOCATING LATERZA, installata nel 2017. L’opera rappresenta, in codice Morse, le coordinate geografiche di Laterza.

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Portfolio

Architetto e artista, dal 2000 lavora come Interior Designer ad Amsterdam.
Nato a Bari, porta con sé i sapori, gli odori e le forme del mediterraneo che traduce nella sua produzione artistica. Dopo il liceo artistico e la laurea in architettura allo IUAV di Venezia, il suo lavoro si indirizza verso la sperimentazione di forme e colori attraverso l’uso dei tessuti.
Dal 2003 la sua ricerca esplora la potenzialità del feltro avviando il progetto Felt for architecture. Dal 2006 ha iniziato la collaborazione con l’ artista olandese Anneke Copier. I due designer si propongono di combinare in un travolgente mix di arte, artigianato e architettura pezzi unici in feltro di lana a volte combinati con seta e fibre naturali dando vita ad una collezione di tappeti e arazzi. Trame tessili dal pattern naturalistico su cui ascoltare, intuire la vibrazione del vento, del suono del Mediterraneo, memoria e perenne passione dell’artista. Felt for architecture partecipa a numerose esposizioni in Olanda, Belgio, Israele, Cina, Irlanda, Gran Bretagna e Italia, facendo tappa nella galleria Misia Arte nel 2007 e nel 2011. Nel 2012, l’artista realizza per la sala d’ingresso del Senato olandese Finestre sui campi, tre grandi arazzi fatti a mano in giallo dorato che traducono il paesaggio agricolo olandese in un modello geometrico astratto.
Come architetto e designer partecipa a diversi progetti tra cui KPN 10 buildings nel 2003 e Van den Oever Zaaijer & Veenendal architecten (OZ+ V) dal 2007 al 2009. Nel 2009, Claudio Varone fonda la sua società di progettazione di interni ad Amsterdam, specializzata in interior design.

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